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martes, 14 de enero de 2014

UNA FORMA ILUSTRADA PARA ESTUDIAR EL COLISEO ROMANO (MªLuz López)

Película Gladiator, a través de la cual podemos ver una reconstrucción de cómo era el Coliseo y los fines a los que estaba destinado.


Documental, el Coliseo. Mediante éste observamos la gran majestuosidad que poseía, al mismo tiempo que nos lo van explicando detalladamente.


ANÁLISIS
Es el anfiteatro mayor del mundo romano, tiene cuatro pisos y el superior estaba resguardado interiormente por una galería de columnas.
Casi en su totalidad está construido con piedra escuadrada; las bóvedas son de mortero. En la planta baja tiene un pórtico monumental del que salen las escaleras que suben a los pisos superiores; una combinación muy hábil de estas escaleras permite la evacuación de los espectadores en pocos minutos.
El exterior se presenta como una sucesión de arcadas colocadas directamente sobre pilastras y sobrepuestas en tres pisos; a cada uno le corresponde un orden arquitectónico distinto: el dórico en el primero, el jónico en el segundo, y finalmente el corintio, únicos elementos dispuestos con finalidad decorativa en una estructura que por sí misma produce un fuerte impacto con la repetición de las arcadas. Y es precisamente el triple uso de los órdenes lo que intensifica este efecto, con la idea de mayor o menor capacidad de apoyo que se relaciona con cada uno de ellos.
La cávea, es decir, el espacio destinado a los espectadores, está también dividida en tres sectores de gradas, que cubren un elaborado sistema de corredores. Bajo la arena, cuyo pavimento era de madera, una complicadísima obra de ladrillo creaba las distintas áreas de servicios, depósitos y establos de las fieras.
En el Coliseo tiene una importancia primaria la definición de los valores estéticos a través de las estructuras sustentantes. Es decir, el arco se convierte en un elemento decorativo, que se inserta con gran coherencia en la articulación básicamente curva de la arquitectura romana, en la que tienen un valor decisivo la bóveda y la cúpula.
Los teatros griegos no poseían exteriores, en cambio el Coliseo tiene un exterior gigantesco. Su decoración estaba especialmente cuidada: además de los órdenes de las columnas, había una estatua debajo de cada arco. La aplicación de estos órdenes cumplía dos funciones: eran una alusión a la arquitectura griega y reducía a escala el edificio, haciéndolo accesible a las personas sin disminuir su gran tamaño (comparado con la inmensa masa del edificio, el individuo se siente muy empequeñecido; pero en relación con el rectángulo definido por las columnas y el arquitrabe que enmarca un arco, pierde el sentimiento de insignificancia). Un ciudadano, pues, podía sentirse parte significativa del inmenso edificio romano y del inmenso imperio que éste representaba.





lunes, 13 de enero de 2014

CÓMO COMENTAR UNA OBRA DE ARTE, GUIÓN DE ANÁLISIS (MªLuz López)


 Es importante realizar una buena observación de la obra así como realizar la descripción de la misma llevando siempre un orden (se recomienda analizar la imagen de abajo hacia arriba).

ARQUITECTURA:

  1. Tipo de imagen que estamos viendo y tipo de edificio.
  2. Materiales.
  3. Soportes o elementos sustentantes.
  4. Análisis del paramento mural (muros) y los vanos (ventanas, balcones), si existieran. Aludir igualmente a la decoración que pudiera tener.
  5. Análisis de la cubierta (armadura de madera, bóvedas, cúpulas, etc… –al interior- y de cubierta plana, a dos, a tres o a cuatro aguas –al exterior-)
  6. Estructura y/o composición (comentario de la disposición conjunta de los elementos que componen el edificio: si se trata de una construcción sencilla, complicada, con entrantes y salientes que dotan de dinamismo y movimiento a la obra, una composición anárquica –normalmente, los elementos sustentantes suelen ir en la parte baja del edificio pero en ocasiones ese orden se altera como ocurre en la arquitectura manierista del siglo XVI-, etc…)
  7. Identificación de la obra, el estilo, el autor y la fecha de construcción, si es posible.
  8. Comentario de la obra en relación a la época de construcción y a su contexto general. Es importante reseñar el papel de ese edificio en el devenir general del arte.

ESCULTURA:

  1. Temática o género de la obra (religiosa, profana, mitológica, etc…)
  2. Materiales.
  3. Técnica usada en su realización.
  4. Composición en base a las líneas que predominan en la obra.
  5. Movimiento o estatismo en la obra.
  6. Perspectiva o perspectivas que contiene la obra.
  7. Incidencia de la luz en la obra.
  8. Proporción de la obra (debemos analizar si todas las partes que conforman una figura o una escena se encuentran proporcionadas entre sí de modo que la obra presente una armonía perfecta. A la hora de analizar las proporciones debemos tener también muy en cuenta el lugar en el que se iban a colocar las esculturas. Por ejemplo, si se iban a colocar en la parte alta de una fachada o edificio, se exageraban determinados detalles y poses de manera que al verlos desde abajo quedaban proporcionados, engañando de este modo a la vista del observador)
  9. Identificación de la obra, el estilo, el autor y la fecha de creación, si es posible.
  10. Comentario de la obra en relación a la época de realización y a su contexto general. Es importante reseñar el papel de esa obra en el devenir general del arte.

PINTURA:

  1. Temática o género de la obra (religiosa, profana, mitológica, etc…).
  2. Soporte, si lo conocemos (si la pintura está realizada sobre lienzo, tabla, cobre, sobre muro –si es sobre muro hablaremos de fresco-, etc…).
  3. Técnica utilizada (óleo, acuarela, pasteles, carboncillo, plumilla, grabado-estampa, etc…).
  4. Composición en base a las líneas que predominan en la obra.
  5. Movimiento.
  6. Espacio y perspectiva: se trata de apuntar si el espacio esta captado de forma natural con una perspectiva correcta –ésta aparece en el Renacimiento, antes no existe como tal-. A la hora de analizar el espacio, si estamos hablando de un paisaje, es interesante hacer referencia también a la línea de horizonte (si ésta se encuentra más o menos en el centro de la obra nos dará sensación de estabilidad pero si por el contrario se encuentra muy alta o muy baja esa estabilidad se rompe).
  7. Análisis del color: Debemos tener en cuenta que los colores blanco, negro y pastel siempre son sinónimo de elegancia y sosiego mientras que los colores más llamativos y ácidos expresan todo lo contrario. Igualmente, cada color tendrá su significado: el blanco es pureza, limpieza; el negro es tristeza, lo luctuoso; el rojo es pasión, amor pero a la vez es sangre, es muerte y es vida; el verde es esperanza, es naturaleza, es frescura; el azul es el color del cielo y el mar por lo que es sinónimo de tranquilidad aunque también se le ve como símbolo de pureza al ser el color del manto de las Vírgenes Inmaculadas; el amarillo es el brillo, la luz, la alegría pero a la vez se el asocia a la envidia, etc…
  8. Análisis de la luz. Presencia del claroscuro y el tenebrismo.
  9. Identificar la obra, el estilo, el autor y la fecha de realización, si es posible.
  10. Comentario de la obra en relación a la época de creación y a su contexto general. Es importante reseñar el papel de esa obra en el devenir general del arte.











viernes, 10 de enero de 2014

Pensar hace a los niños mejores estudiantes

Hablamos de metodologías activas, de sacar a los alumnos de las aulas, de ayudarles a pensar y a alcanzar el conocimiento por sí mismos. ¿Realmente funcionan estos planteamientos?
He encontrado un estudio que habla de que el Arte contribuye a formar mejores estudiantes. No se trata sólo de algo que haga el Arte, se trata del modo en el que se plantea, que está muy relacionado con conceptos que hemos comentado en las asignaturas del máster.
El estudio trabaja con grupos de estudiantes que realizan un paseo por un museo de una hora viendo cinco cuadros. El comisario (curator, en inglés. En la traducción al español utilizan erróneamente curador) les da a estos alumnos la información mínima de la obra, y la mayor parte del tiempo facilitan la discusión sobre la misma.
Por tanto no les dan todo el conocimiento, sino que se trata de que lo descubran mediante el diálogo.
Tres semanas más tarde les plantean preguntas respecto a las obras que vieron, incluyendo también una que no, y sorprendió
"[...] lo mucho que aprendieron los alumnos, pues fueron capaces de recordar que la pintura hacía referencia a los apoyos de los precios durante la Gran Crisis de 1929 y también que otra pintura hacía referencia los abolicionistas que boicotearon la compra de azúcar.
“Estos detalles históricos no estaban incluidos en la introducción del (comisario)” explica Greene. Esto significa que el formato basado en la discusión alentó a los estudiantes a hacer preguntas importantes acerca de las pinturas. Pero la experiencia del museo también permitió a los alumnos recordar la información de la pintura un mes después. Eso es destacable considerando que los chicos olvidan rápidamente lo que han aprendido para los exámenes.
Al leer el artículo no he podido evitar pensar que no es tanto el arte en sí lo que puede hacer que los estudiantes sean mejores sino la metodología utilizada. El entorno diferente, la discusión propuesta acerca de las pinturas, las preguntas que hacen los alumnos (como se lee en las conclusiones) relacionadas con temas históricos. Preguntas que hacen porque se ha despertado interés en ellos a través de imágenes (cuadros); es decir, método por descubrimiento, donde pueden observar y analizar las fuentes. 
Por supuesto que el arte contribuye a formar mejores personas, no seré yo quien diga lo contrario, pero en este caso entiendo que no es tanto la pintura en sí, ni el museo, sino incitar a los niños a pensar, a extraer ideas y conclusiones, a valorar.
Os dejo el artículo para reflexionar. Recomiendo leer el texto original en inglés, para evitar distorsiones debido a la traducción, pero para facilitar las cosas añado las dos versiones. 


jueves, 9 de enero de 2014

El Arte en los videoclips musicales: 70 Million by Hold Your Horses!

De www.artecreha.com

El videoclip musical remonta sus orígenes nada menos que a los años 30 (cuando se filmaron las primeras películas cortas que ilustraban un tema musical). Sin embargo ha sido durante las últimas décadas cuando ha experimentado un desarrollo pleno y una difusión realmente popular.
La relación entre el videoclip musical y el Arte es, como en tantos otros aspectos, compleja. Lo más habitual es que haya artistas que colaboren en el diseño y producción de vídeos de determinados cantantes. También es frecuente que el videoclip se inspire en obras de arte, por lo general contemporáneas.
Menos frecuente es el caso en el que nos fijamos en este artículo. Se trata de un videoclip basado en cuadros muy populares de todas las épocas históricas, desde la Edad Media hasta las vanguardias del siglo XX. Para ello, los propios miembros del grupo musical se caracterizan en los personajes de los cuadros y se crea una ambientación general basada en los mismos. El grupo es el francés Hold Your Horses! y el tema musical se titula 70 Million.
Destaca en el vídeo la buena producción de cada una de las escenas y, sobre todo, la frescura y el buen humor con que se resuelven todas ellas (por ejemplo, cuando el difunto de La lección de anatomía del doctor Tulp de Rembrandt colabora en la interpretación musical).
El resultado es éste:

El videoclip musical ofrece gran cantidad de posibilidades de trabajo con los alumnos debido a su atractivo estético y a ser un producto visual muy consumido por parte de los más jóvenes. Es un lenguaje al que están muy acostumbrados y que leen e interpretan con gran naturalidad.
Además tiene la ventaja de hacerles ver que el del arte no es, necesariamente, un mundo encerrado en los museos, propiedad de unas clases intelectuales o alejado de la vida cotidiana.
La actividad más sencilla (pero muy efectiva) que se puede llevar a cabo con este videoclip es el de que los alumnos identifiquen los distintos cuadros que aparecen representados en el vídeo. Para ello, lo mejor es una primera visualización del videoclip para que los alumnos lo asimilen y tengan una visión global del mismo. A continuación, en un segundo pase del vídeo los alumnos deberán identificar la mayor cantidad de cuadros posibles.
Dada la rapidez con que se producen algunas transiciones e, incluso, a la relativa dificultad de algunas de las obras, lo normal es que los alumnos identifiquen muchos pero no todos los cuadros.
Después de la actividad, podemos ver esta segunda versión del videoclip en el que comprobaremos las respuestas correctas:



Información proporcionada por Carolina Felipe

martes, 7 de enero de 2014

Hallada la tumba de un cervecero egipcio de hace 3.000 años (Rosa María García)




Esta noticia demuestra que en el antiguo Egipto no sólo las clases dominantes podían permitirse un ritual funerario, un cervecero de entonces también. Además, muestra las semejanzas en el día a día entre civilizaciones tan alejadas en el tiempo. En nuestros dias, tomarse una cerveza es un ejercicio cotidiano para la gran mayoría de personas.

sábado, 4 de enero de 2014

Referencias artísticas en la serie Los Simpson



En la famosa serie Los Simpson, podemos encontrar muchas referencias artísticas en algunos de sus capítulos. Aquí os dejo algunos ejemplos que pueden servir para impartir una clase de historia del arte diferente y divertida.

Como todos sabemos esta obra es parte de un tríptico titulado El jardín de las delicias, 
cuyo autor es conocido como “El Bosco”.  Data del siglo XVI y se encuentra en el Museo del Prado.















Otro ejemplo sería este, en el que podemos
ver claramente la similitud de la imagen de la serie
con El nacimiento de Venus, de Boticcelli. 

















Aquí encontramos La última cena, de Leonardo Da Vinci, representada por
Homer y sus amigos en el bar de Moe.
































Otro de los ejemplos en el que encontramos El Guernica, de Picasso,
el cuál Nelson recrea con las caras de algunos de sus profesores.



Aquí podemos ver a Homer imitando el famoso cuadro de El grito, de Munch.























Obras tan famosas como La persistencia de la memoria, La gitana dormida o Desesperanza también tienen un recuerdo en esta serie.
Como estas imágenes, podemos encontrar muchísimas más, tanto de arte como de historia.
Espero que os guste.

Vanesa López Molina

Noticias de arte (Raquel R.)

Como todos sabemos, este año 2014 será el año de El Greco, pero no todo el arte se centrará en él. Nuestros museos nos ofrecen una gran oferta cultural; Cézanne, Hamilton, Le Corbusier… visitan El Prado, El Reina Sofía y el Thyssen. Si quieres saber más consulta el siguiente enlace:

viernes, 27 de diciembre de 2013

Velázquez regresa al Prado



Esta exposición nos muestra los últimos retratos del pintor en la corte de Felipe IV y exhibe obras nunca vistas en España. La componen 30 piezas entre las que se encuentran los retratos de las infantas María Teresa, Margarita y Felipe Próspero. También se acogen obras de discípulos del artista como las famosas “Meninas” de Dorset atribuidas a Martínez del Mazo, yerno de Velázquez.

Se puede visitar hasta el 9 de febrero.


Noticia de interés para alumnos que cursan Historia del Arte en 2º de bachillerato.



Información aportada por Rosa María García

lunes, 9 de diciembre de 2013

Patrimonio en la red: www.patrimoniohistoricoclm.es

Por Beatriz Pardo,


   Hace unas décadas, surgió y se consolidó en Europa el interés por el estudio de la ciudad y del patrimonio en su devenir y evolución urbana a través de los tiempos. Este interés por la gestión, conservación y puesta en valor del patrimonio histórico culminó con la promulgación de la Ley 16/1985, de 25 de junio, del Patrimonio Histórico Español, cuyos principios básicos son que "El Patrimonio Histórico Español es el principal testigo de la contribución histórica de los españoles a la civilización universal y de su capacidad creativa contemporánea. La protección y enriquecimiento de los bienes que la integran constituyen obligaciones fundamentales de todos los poderes públicos"

   La peculiaridad territorial española hace que la mayoría de competencias se transfieran a las comunidades autónomas, publicando éstas también sus propias leyes de Patrimonio. La primera ley de Patrimonio manchega fue la Ley 6/1985 del 13 de noviembre del Patrimonio de la Comunidad Autónoma de Castilla- La Mancha, sienta las bases de la futura actuación, haciendo la necesaria definición de qué se considera patrimonio, su titularidad, etc. Unos años después se publica la Ley 4/1990 del Patrimonio Histórico de CLM, donde se regula la creación de la Red de Parques Arqueológicos de CLM. La más reciente, la Ley 4/2013 del 16 de mayo, se ha marcado "extender la pluralidad de una riqueza cultural cuyo conocimiento y disfrute estético permita transmitir a las futuras generaciones un patrimonio labrado sobre la tolerancia y abierto a la solidaridad creativa" y así garantizar como derecho el acceso universal a la cultura. 
   Para conseguir este objetivo, desde la Consejería de Cultura se ha creado la página web:
www.patrimoniohistoricoclm.es

Red de Parques Arqueológicos de CLM

        - La ciudad romana de Segóbriga en Saelices, Cuenca 
        - La villa romana de Carranque, en la provincia de Toledo
        - El óppidum ibero-medieval de Alarcos en Ciudad Real
        - La ciudad visigoda de Recópolis, en Zorita de los Canes, provincia de Guadalajara  
        - El Tolmo de Minateda en Hellín, Albacete.

Segóbriga
Alarcos-Calatrava la Vieja
Carranque



Recópolis

Tolmo de Minateda




    • - Cerro de las Cabezas 
    • - Libisosa
    • - Valeria
    Cerro de las Cabezas, Valdepeñas (Ciudad Real)
    Libisosa, Lezuza (Albacete)
    Valeria, Cuenca

    Museos:



    Calatrava la Nueva, Aldea del Rey (Ciudad Real)                                                      
    • - Calatrava la Nueva (Ciudad Real)
    • - La Puerta del Sol (Toledo)
    • Castillo de Zorita de los Canes, Guadalajara
      Puerta del Sol, Toledo

    jueves, 5 de diciembre de 2013

    Aquí os dejo un enlace de un programa, "la luz en el arte", un buen material didáctico que permite al alumno profundizar en el estudio de la luz en las obras de arte


    martes, 3 de diciembre de 2013

    El arte en la música…. Mona Lisa de Elvis Presley

    Compartido por Carolina Felipe

    Mona Lisa

    Letra 
    Mona lisa, mona lisa, men have named you
    You’re so like the lady with the mystic smile
    Is it only ’cause you’re lonely they have blamed you?
    For that mona lisa strangeness in your smile?

    Do you smile to tempt a lover, mona lisa?
    Or is this your way to hide a broken heart?
    Many dreams have been brought to your doorstep
    They just lie there and they die there
    Are you warm, are you real, mona lisa?
    Or just a cold and lonely lovely work of art?

    Do you smile to tempt a lover, mona lisa?
    Or is this your way to hide a broken heart?
    Many dreams have been brought to your doorstep
    They just lie there and they die there
    Are you warm, are you real, mona lisa?
    Or just a cold and lonely lovely work of art?


    Letra (español)
    Mona lisa, mona lisa, te han llamado los hombres
    Te pareces tanto a la dama de la sonrisa mística
    ¿Es solo por qué estás sola que te han culpado?
    ¿Es por eso que tienes, mona lisa, esa extrañeza en tu sonrisa?

    ¿Sonríes para tentar a algún enamorado Mona lisa?
    ¿O es esta tu forma de ocultar un corazón roto?
    Muchos sueños han traído a tu umbral
    Solo fueron mentiras y murieron ahí
    ¿Eres cálida, eres real Mona lisa?
    ¿O solo una fría y solitaria adorable obra de arte?

    ¿Sonríes para tentar a algún enamorado Mona lisa?
    ¿O es esta tu forma de ocultar un corazón roto?
    Muchos sueños han traído a tu umbral
    Solo fueron mentiras y murieron ahí
    ¿Eres cálida, eres real Mona lisa?
    ¿O solo una fría y solitaria adorable obra de arte?

    Mona lisa, mona lisa

    miércoles, 20 de noviembre de 2013

    ODAWiki: Espacio colaborativo sobre Objetos Digitales de Aprendizaje


    Hoy, 20 de noviembre, es el día universal del niño, ¿qué mejor manera hay para aprender que divirtiéndose con los recursos de la web?








    Maletas del conocimiento









    Las tecnologías de la información hacen verdaderas obras de arte para facilitar el aprendizaje, la búsqueda de la información, juegos, aplicaciones de diversos tipos... con la intención de amenizar el camino del conocimiento. Aquí tenemos varios ejemplos de ello.


    Enlaces de interés









    Información proporcionada por Ana Alarcón

    La sociedad del siglo XVII a través de las obras de Murillo

    Por Adelaida López Jiménez


    Partiendo de obras de Murillo, como “Niños comiendo pan y melón” y “El joven mendigo”, podemos abordar cuestiones sociales del siglo XVII desde un tema como la infancia, que puede ser más atrayente para los alumnos. Con ello se podrán tratar una variedad de conceptos de dicho siglo, que pueden ir, por ejemplo, desde la población infantil y el trabajo de los niños hasta la decadencia económica de la España de los Austrias y sus consecuencias sociales. Al mismo tiempo, daremos a conocer al alumnado a Murillo y las características de algunas de sus obras.










    lunes, 18 de noviembre de 2013

    Aprende a ver arquitectura














    Aplicación multimedia centrada en los elementos y funciones de la arquitectura que sirve de apoyo a estudiantes que cursan Historia del Arte de bachillerato o Ciencias Sociales, Geografía e Historia de la ESO ya que dispone de gran cantidad de imágenes, animaciones flash, planos, actividades…

    Ha sido creada por Mª Luisa Bermejo López, Adoración Morales Gómez, Lorenzo de la Plaza Escudero y José Mª Martínez Murillo y ha tenido como reconocimiento el Tercer Premio a Materiales Educativos del ITE 2006.



    Información aportada por Rosa María García 

    jueves, 14 de noviembre de 2013

    Análisis EL PARTENÓN

    Arte clásico griego.
    Datación: 447-432 a. C.
    Acrópolis de Atenas. Grecia.



    Análisis
    Se trata de la imagen de un edificio construido siguiendo los cánones del orden dórico. El material parece piedra o mármol, con sillares uniformes, del tipo isódomo. Todo el sistema arquitectónico es adintelado. Los soportes son columnas que sostienen dinteles y la cubierta que ya ha desaparecido.

    Parece un templo griego que por el número de columnas que aparecen en su fachada principal es octástilo, y como éstas rodean todo el templo, se le denomina períptero. En total aparecen ocho columnas en sus lados menores y diecisiete en los mayores, siendo, por este motivo, el doble de largo que de ancho.

    Estas columnas descansan directamente sobre un estilóbato y dos estereóbatos. Su fuste está recorrido por 20 estrías longitudinales, unidas en arista viva, y presenta en su parte central un ligero ensanchamiento o éntasis que acentúa su solidez y fortaleza. El paso del fuste al capitel se realiza por medio de una moldura cóncava, casi imperceptible, llamada collarino. Dicho capitel está compuesto por dos elementos: el equino, que es una especie de plato y el ábaco o paralelepípedo de base cuadrada y planos rectos. Sobre la serie de capiteles descansa el entablamento, dividido a su vez en tres partes. La primera constituida por un arquitrabe liso, desprovisto de ornamentación. La segunda, denominada friso, está formada, a su vez, por la sucesión de triglifos y metopas. Los primeros constan de dos estrías o glifos en su parte central y dos medias estrías en sus extremos. Las metopas son paneles decorados con relieves. Sobre el friso se hall la cornisa que sobresale del plano del entablamento.


    El edificio tiene una cubierta inclinada a dos aguas, presentando en sus fachadas más estrechas un frontón, cuyo fondo o tímpano incluye aún restos de algunas estatuas. En una de las fachadas se adivina un segundo pórtico de columnas en la pronaos que da paso a la naos o cella del templo y, por su largura, parece que tiene opistódomos.

    Comentario
    La imagen corresponde al templo del Partenón, proyectado, siguiendo las directrices marcadas por Fidias, por los arquitectos Ictino y Calícrates, quienes comenzaron su construcción en el año 447 antes de Cristo y la acabaron en el 432 a. C. Las obras se iniciaron tras ser el antiguo templo totalmente arrasado por los ejércitos de Jerjes. Fue Pericles quien decidió la construcción de un templo dedicado a Atenea en el mismo emplazamiento pero con un nuevo proyecto realizado por Fidias y Calícrates, que serían los encargados de diseñar y dirigir la reconstrucción de toda la Acrópolis.

    Según el proyecto, cada edificio de la Acrópolis conservaba su fisonomía propia y autónoma, permitiendo al visitante captar la esencia de cada construcción, según el ángulo visual más adecuado, especialmente la del Partenón. El Partenón tenía 69,50 metros de longitud y 31 de anchura. Su cella se dividía en dos estancias separadas por un muro, que convertía al recinto en un doble templo. En la mayor de las estancias se hallaba la estatua crisoelefantina de la Atenea Parthenos, en la menor se hallaba el tesoro de la diosa y el tesoro público. Después estaba el opistódomos.

    Como quiera que parte del marfil y del oro dedicado a la estatua de la Diosa desapareció, Fidias fue acusado de robo y condenado a prisión, donde murió, según algunos autores, aunque otros hablan de que falleció en el destierro, víctima de los enemigos de Pericles.

    En cuanto a los refinamientos ópticos, el estilóbato presenta sus ángulos extremos a un nivel más bajo que el del centro, que dobla sus aristas levemente en sentido contrario. Las columnas presentan en sus ejes una ligera curvatura hacia dentro, la columnata del peristilo sufre una inclinación hacia los muros de la cella, inclinación que se repite en todos los elementos verticales, mientras que el entablamento presenta una pequeña curvatura hacia arriba. El objetivo de todas estas desviaciones es el de corregir las ilusiones ópticas del conjunto, evitando que el estilóbato sea un elemento pasivo; que las cuatro columnas de los ángulos parezcan más delgadas que las otras o que el entablamento se presente como un cuerpo abombado por el centro.

    La orientación este-oeste tenía el objetivo de conseguir que el sol naciente proyectara sus rayos directamente sobre la estatua de Atenea en el día de su fiesta. Este homenaje a Atenea se completa con los temas que decoran el templo. Así pues, las esculturas que incluían sus frontones representaban dos acontecimientos importantes de la historia de la diosa: su nacimiento de la cabeza de Zeus, inserto en el frontón oriental; y su disputa con Poseidón para conseguir el dominio del Ática, en el occidental.

    Si en las zonas más elevadas del templo las historias que aparecen son protagonizadas por los dioses, a medida que descendemos, los temas se van humanizando. De este manera, en los noventa y dos cuadros de las metopas aparece la lucha de los atenienses con los centauros en la fachada meridional; con las amazonas en la occidental; con los gigantes o titanes en la oriental y contra los habitantes de Troya en el lado norte. Por último, en el friso interno, rodeando los muros de la cella, aparece una escena muy conocida por los atenienses, ya que ésta se repetía cada cuatro años. Era la procesión de las grandes fiestas Panateneas, cuyo tema central era la entrega a la diosa de un rico peplo tejido y bordado por las doncellas que lo portaban y que, a su vez, iban acompañadas por toda la ciudad que se convertía así en protagonista de la iconografía del Partenón..

    La historia posterior del Partenón representa un paradigma de despropósitos. Durante más de dos mil cien años el edificio se conservó casi intacto, siendo primero iglesia bizantina y luego iglesia cristiana, añadiéndose un campanario, que pasó a ser alminar cuando los turcos lo utilizaron como mezquita. En este estado se encontraba, cuando el 26 de septiembre de 1687, una bomba veneciana hizo estallar el polvorín que los turcos habían instalado en su interior, destruyéndose totalmente la cella y algunas de sus columnas. tra importante pérdida fue ocasionada por Lord Elgin que, entre 1801 y 1803, despojó al templo de buena parte de sus esculturas, guardadas desde entonces en el Museo Británico. Tras algunos intentos de restauración durante el pasado siglo, entre 1921 y 1929, se llevó a cabo una reconstrucción más sistemática. Hoy el edificio se enfrenta a un nuevo enemigo: la contaminación atmosférica. Sin embargo, a pesar de estos ataques, el Partenón sigue ahí, desafiando al tiempo, en una lección de sobriedad y belleza difícilmente superables.


    Información proporcionada por Verónica Marcos